Cordames

2012-01-17T17:55:00.000-08:00

En pleno proceso del C.37.12 -acrilico sobre tela- 180 x 100 cm. -2012- . in the process of C.37.12 -acrylic on canvas- 71 x 39.5 in. -2012-.

2011-11-20T20:16:00.000-08:00

C.32.11 -acrilico sobre papel- 65 x 50 cm. -2011-
C.32.11 -acrylic on paper- 25.5 x 19.5 in. -2011-

2011-11-18T11:23:00.000-08:00

C.30.11 -acrilico sobre papel- 65 x 50 cm. -2011-
C.30.11 -acrylic on paper- 25.5 x 19.5 in. -2011-

2011-11-18T11:19:00.000-08:00

C.33.11 -acrilico sobre papel- 65 x 50 cm. -2011-
C.33.11 -acrylic on paper- 25.5 x 19.5 in. -2011-

2011-10-11T15:35:00.000-07:00

Jairo Robinson
Constructing the garden of diverging paths.

Looking upon the totality of Robinson’s nascent work I always wonder: Why is it that a highly skilled painter when it comes to figurative work leans towards a non-representational art form? One answer might be the dissatisfaction with that which was achieved. Another one might be the longing for liberty in favor of a complete creative realization. Let’s see: while in art school, at the National School of Fine Arts of Peru, his works were made up of planes in which objects, silhouettes and recognizable figures were immersed. During the training period in which he had to represent textures, volumes and nudes, Robinson didn’t achieve what he wished for, in spite of the technical effectiveness of his work. He ambitioned more. If he painted skin, he needed to feel the pigment as such, avoiding a photorealistic finish which diminishes the strength of the paint. Once he solved the problems intrinsic to his training, his attention moved on to the application of his abstract-geometric interests into the formal academic principles. In his own words: “To unite my color planes with the academic work”. These attempts are evident in nudes in which the body is treated academically while the geometry of the background remains distant, like a mere compositional element, not integrated into the whole piece, unlike Frantisek Kupka who achieved this in works such as Planes by colors (a.k.a. The great nude) from 1910. After this, Robinson focuses on effectively disentangling that geometry as the central theme of his work, leaving behind the figure. He is, since then, immersed in an abstraction based on small designs that he would then reproduce –as he says- at a 90% level of similarity. It is this fact –basically copying his own work in a different scale- which frustrates him; in the words of the painter: “My work back then was burdensome; I now realize that it lacked spontaneity, fluidity”. Thus, for this exhibition, appropriately titled “Constructions”, Robinson relies on his instinct, on pure creativity in favor of the compositions themselves and not as a result of previous trials. Robinson declares his influences and one can understand which elements he has drawn from each of them, consciously or unconsciously, for his production. In this way it appears evident that from Beatriz Milhazes he gets the preference for a particular geometric shape; from Maria Elena Vieira Da Silva, the hatching; from Regina Aprijaskis the purity of color; from Sabogal, whose work was recently exhibited at the British Peruvian Cultural Center, the heftiness of the texture –keep in mind Robinson had a figurative period; from Sarah Morris, the line defining the color planes. If in the series “Member is an object” and “Forests” using the term abstraction got us closer to Robinson’s proposed line of work, this new “Construction” series deals more with the so called Concrete Art, since the artist does not have reality as a starting point in order to then abstract it and compose a piece, rather, he confronts the canvas from and absolutely mental and emotional standpoint. The square is a shape that does not exist in nature unlike the circle, the triangle and the ellipse. The square, a shape that came about as a mental construction of man, is the leading light of this new series; however, we can say that it is the visible face of the matter that concerns us. The origin of the well balanced and elegant compositions that Robinson shares with us, which have visceral manifestations, are chaotic, even anxious, and from which the order of the piece starts to appear; is a tension between the executioner and the execution, in which we don’t know which of the parts wins. We have already discussed Robinson’s influences, but it is without a doubt that the great melting pot of these painters has its origin in a period of the work of Kasimir Malevitch, a milestone for the history of modern painting. Malevitch, who left in writing that during his youth he believed that his mission as an artist was to represent nature as accurately as possible, took the geometric shapes to their limits in works such as Black square or White on white. However, the Russian artist referred to his works as a “New Realism in Paintings, towards absolute creation” (title of one of his many publications). Malevitch also wrote: “The keys of Suprematism are leading me towards discovering things outside of knowledge. My new paintings don’t belong only to this world”. New Realities. Discovering things outside of knowledge, precisely. What knowledge, what realities does Robinson discover in his compositions? Only he knows, but without a doubt, among the findings is the act of painting in itself, the great matter of painting for the sake of painting. Maybe Emil Nolde understood it that way after painting over and over canvases with views of the ocean from the island where he spent his last days before taking his own life. These canvases, seen today, show us part of the most decided informalism, of the most abstract expressionism. It is said that Nolde realized this and knew what was coming next. It is when an artist starts to understand where his work is going, that it becomes clear that he can’t start walking on a path without necessarily abandoning another one which he might as well have taken. In the natural evolution of Robinson’s work, we can see a canvas hatched with dark lines that to the eyes of the spectator would look like a canvas completely covered in black, and here I am not talking about the light variations on black as in the works of Ad Reinhardt. A climax towards which, painting after painting, the painter will feel closer and closer. Because of this, my intuition tells me that this artist, probably later than sooner, just like Malevitch himself did, will return to the figure as the central object of his production; or at least, he will recognize with certainty the moment in which he would have to choose between going back to try and get a hold of the figure in the way that he always ambitioned or to continue hatching away the path of his own reality

IVÁN FERNÁNDEZ-DÁVILA

2011-10-11T11:23:00.000-07:00

C.29.11 -acrylic on canvas- 36 x 48 in. -2011-
C.29.11 -acrilico sobre tela- 91.4 x 121.9 cm. -2011-

2011-10-11T11:19:00.000-07:00

C.31.11 -acrylic on canvas- 36 x48 in. -2011-
C.31.11 -acrilico sobre tela- 91.4 x 121.9 cm. -2011-

2011-09-27T20:18:00.000-07:00

2011-09-08T11:37:00.000-07:00

C.23.11 -acrilico sobre tela- 150 x 150 cm. -2011-

2011-08-27T16:53:00.000-07:00

C.25.11 -acrilico sobre tela- 180 x 150 cm. -2011-

2011-08-27T16:48:00.000-07:00

C.26.11 -acrilico sobre tela- 140 x 300 cm. -2011-

2011-08-27T16:42:00.000-07:00

C.22.11 -acrilico sobre tela- 100 x 120 cm. -2011-

2011-08-27T16:33:00.000-07:00

C.19.11 -acrilico sobre tela- 100 x 100 cm. -2011-

2011-08-27T16:31:00.000-07:00

C.21.11 -acrilico sobre tela- 100 x 100 cm. -2011-

2011-08-27T16:20:00.000-07:00

C.20.11 -acrilico sobre tela- 100 x 100 cm. -2011-

2011-08-19T12:44:00.000-07:00

Surcando el Infinito - en búsqueda del orden invisible
"La armonía oculta o invisible es superior que la manifiesta" Heráclito de Éfeso

El Universo y la Naturaleza con su infinita variedad de formas encierran una capacidad de generación geométrica y unas posibilidades plásticas extraordinarias. Puntos, líneas y planos, idealización de formas ortogonales, así se dio forma a la geometría euclidiana, que representa la interpretación de un orden y medida a través de figuras basadas en cuerpos regulares. Esta es una idealización de un patrón oculto subyacente y esto es lo que nos muestra y plasma Jairo Robinson en sus obras; él nos abre un portal (entrada principal o pórtico de acceso) para avizorar ciertos aspectos formales generativos de la realidad, mediante una potente poética de lo perfecto, ordenado, impuesto y regular sobre el trasfondo de pura potencialidad de la abstracción.

La forma en que los conceptos matemáticos y geométricos componen o conforman la realidad no nos es evidente. Podría entenderse que la estructura de la realidad depende de las formas geométricas, las que a su vez se definen por medio de los números, que son, por su lado, expresiones de energía. Esto ya lo subrayó Pitágoras en el Siglo VI a.C., al descubrir que todo se reduce a número pues estos son unidades y estas tienen magnitud y no hay por tanto necesariamente exclusión de la materia. Pitágoras hizo del número el principio universal por excelencia. Por motivos semejantes al fundar Platón La Academia hizo colocar en la entrada la inscripción, “Que nadie entre aquí si no sabe Geometría”.

En relación a esto y al a relatividad de los sucesos y sobre todo de la percepción, en sus libros Carlos Castañeda refiere que Don Juan Matus le enseño que el mundo en que habitamos y vemos todos los días es un consenso fijo, o
más bien fijado en un punto único o una posición única de percepción fija, que él llamaba punto de encaje o anclaje, el cual es el responsable de que veamos y experimentemos la realidad tal cómo lo hacemos, es allí donde se realiza la percepción. La energía que fluye en el universo se transforma en ese lugar en datos sensoriales y luego estos son interpretados para dar como resultado el mundo de la vida ordinaria; pero que al moverse o cambiar de posición ese punto, nudo o lugar de percepción, la realidad cambiada y devenía otra, fluida, dinámica y de formas, patrones y flujos energéticos. Si el punto de anclaje (zona de distribución de la conciencia) se mueve de su posición habitual, el mundo deja de ser lo que es para nosotros y nos enfrentamos ante un orden diferente, un mundo distinto.
Esa base numérica/geométrica de la que hablábamos, se entiende además en el sentido de la proporción de los elementos constituyentes; siendo una de las claves el concepto de límite o imposición o hasta “Irrupción”, que es el término elegido o utilizado por Robinson, que es el que introduce orden o medida en lo indefinido o indeterminado.El cosmos se forma por tanto al imponer límite a lo ilimitado. Es como el Factor de Empaquetamiento o arreglo atómico de los minerales cristalizados, habiendo una relación entre forma, tono, longitud y tamaño. Creación y re-creación sin fin de nuevas formas y mundos. Grados de interiorización o complejidad interna de la materia.

Siguiendo ciertos patrones y relaciones Robinson compone sus obras mediante el trazado de rectas convergentes perpendiculares de tal modo que al cruzarse ninguna de ellas resulta ser o estar inclinada en relación de otra, generando así la contundente figura del cuadrado. El cuadrado es asumido como la forma básica a partir de la cual se construyen una infinidad de otras formas en un plano. Es la forma más simple por su regularidad, simplicidad y ortogonalidad, es decir, el cuadrado está formado por lados verticales y horizontales, los que nos proporcionan un referente básico de ubicación espacial. A partir de él se pueden construir y deducir otras formas geométricas tanto simétricas como no simétricas, pudiendo ser sus características variables, gestuales o incluso extremadamente irregulares. Las primeras (simétricas) son las que utiliza o restringe y prioriza Robinson. El cuadrado es un polígono regular de cuatro lados, que forman ángulos rectos midiendo lo mismo entre sí. El cuadrado se multiplica sobre la superficie del plano o la tela, se amplía e intensifica, creando redes o patrones de planos superpuestos generadores de intensidad y movimiento y de distintas intensidades sobre la superficie.

La sombra negra y su concentración es la gradación material o proceso de descenso o concretización material, la estructuración material, según órdenes o patrones matemáticos arquetípicos, modelos de luz, sombra y oscuridad. El punto tenue del horizonte crece, se concentra e intensifica y termina amenazando con abarcándolo todo.
Es la geometría básica del universo, es la fábrica estructural del todo, la energía se expresa a si misma matemática y geométricamente, es como una red o plantilla para el universo, es una matemática y geometría dinámica, que muestra no solo las cantidades, sino las cualidades y relaciones de las cosas, de los números; es así que el espacio es cargado o dotado de cualidad, no da igual un punto que otro, un espacio que otro; esto nos acerca al espacio mítico. Ese patrón geométrico numérico demuestra la manera en que la energía fluye y se manifiesta.
Lo que se nos transmite es que hay una energía básica y que su desarrollo son como campos de cuantificación de grados de complejidad y densidad estructural interna, hay una estructura estratificada.
Y en el trasfondo, en el fondo lo irracional, indeterminado, la forma pura, pura posibilidad. Ese sustrato es una realidad generadora eterna, es la unidad por encima de los accidentes y divergencias. Es, como el arte, la vía o Irrupción de lo siempre posible y abierto, de creación y re-creación; el flujo y reflujo de nuestras mentes y existencias concibiendo, experimentando y re-creando el universo.

Roberto Ascóniga
Curador

2011-08-19T12:43:00.000-07:00

2011-05-05T17:28:00.000-07:00

C.18.11 / acrilico sobre tela / 90 x 130 cm.

2011-04-26T22:01:00.000-07:00

C.01.10 / acrilico sobre tela / 150 x 120 cm.

2011-03-08T17:23:00.000-08:00

Mi pintura es un portal, una vista simplificada de la realidad, esta verdad que no siempre concuerda con lo que estamos acostumbrados a ver. Resumiría como el patrón de todo lo existente.

My painting is a portal, a sight simplified of the reality, a truth that shi does not reconcile with what we are accustomed to looking. It would summarize it as the model of everything existing.

Jairo Robinson.

2011-03-08T17:13:00.000-08:00

EN CUENTRO LATINOAMRICANO DE ARTE PUBLICO

Artistas nacionales y extranjeros participaron del Encuentro Latinoamericano de Arte Público y muralismo Cosquín 2011, capital nacional del Folclore.

Participaron Gisel Estefania (Buenos Aires), Laura Londoño Roldán y Florentina Aramayo (Colombia), Jairo Robinson y Leonardo Fernández (Perú), José Antonio Villena Sierra (Ecuador), Gustavo Baldovino De Cesare y María Claudia Ríos Sosa (Uruguay), Leonel Do Rosario, Abraham Sanabria y Unai José González (Venezuela). También José Emilio Pacheco Vega, Cristina Pérez Alcocer, Edam Juan Carlos Garces y Cristóbal Flores (México), Susana Velasco, Iván García y Paola Mikiej (España), Josan Cardinal, Cristian Brossard, Carlos Domínguez y Carolina Luqué (Cosquín).

C.17.11 -185cm. x 275cm.- forma parte de la colección de la Escuela de Arte Emilio Caraffa. (Cosquin, Córdoba - Argentina).

2011-03-08T17:00:00.000-08:00

C.09.11 / acrilcio sobre tela / 50 x 60 cm.

2011-02-05T07:52:00.000-08:00

2011-01-06T19:58:00.000-08:00

C.02.10 / acrilico sobre tela / 120 x 120 cm.

C.03.11 / acrilico sobre tela / 100 x 100 cm.

C.07.11 / acrilico sobre tela / 150 x 150 cm.

2010-12-27T18:56:00.000-08:00

JAIRO ROBINSON

la victoria sobre el sol

Cuando el sol cesa en sus funciones y es recluido por los hombres fuertes en la obra teatral Victoria sobre el sol de Matiushin, Kruchonij y Malevich, es cuando asistimos al nacimiento también del nuevo sistema que se sustenta en las matrices universales de todo: el circulo , la cruz y el cuadrado. Religión pura y visión cósmica totalitaria que no deja de filtrar una pequeña senda de esperanza religiosa en el camino del hombre. Es así como la abstracción geométrica puede ser el inicio y el fin a la vez. Un gobierno visual absolutista que nos brinda la libertad de ver el mundo tal como es. El hombre fuerte es el nuevo creador y dador de vida y convierte al cuadrado negro en su símbolo mesiánico por excelencia.Cuatro lados iguales que se imponen como el sello mortuorio de la tumba del sol, la victoria del hombre fuerte es también la victoria de la geometría pura sobre la naturaleza.

Negros horizontes y complejas ramificaciones pueblan su pintura: pienso que no deja de ser esperanzadora su visión del mundo ya que guarda una seria ventaja por sobre los que somos pintores figurativos: y es que la libertad total radica en la separación de la realidad, la realidad que falsamente vemos con nuestros fallidos ojos.

Jairo Robinson es instintivo y extrañamente calculador a la vez, al inicio se veía forzado a emplear un boceto o maqueta previa a la composición definitiva, ahora, haciendo gala de una capacidad sorprendente para componer, termina poblando sus lienzos de una multitud de planos de coloración mas bien oscura y cortante.

Un cierto hermetismo nos lleva a pensar en una pintura de tintes más intelectuales y difíciles, pudiendo de repente alejar al espectador de una contemplación mas espontanea.

Como toda pintura de corte no figurativo, demanda un poco mas de atención ya que las pulsiones nerviosas vienen con el primer impacto visual.

Horizonte rojo es una emblemática composición dentro de su producción en la que vemos como una muy delgada franja roja divide, como un navajazo, la obra en dos partes dispares, dejando ver un poco las vísceras del cuadro y haciendo que el fino hilo rojo se convierta en el anuncio de un camino. Y una vez más, se me viene a la cabeza una obra, figurativa mas bien, de Kasimir Malevich, un pequeño cuadro titulado los jinetes rojos, en la que el conjunto de jinetes se muestra como el camino a seguir, los portadores del nuevo sistema. En horizonte rojo no cambia el tema, es la parte central la que se va iluminando con la presencia del hilo de sangre que divide la composición, rastros de una batalla más bien pictórica que deja todo el conjunto congelado en el tiempo.

Es natural que el espectador asocie ciertas concepciones abstractas con el mundo visible simple y a esto también contribuye el que el artista mismo titule parte de su obra con motivos del mundo exterior. Vistas a vuelo de pájaro, grandes construcciones imaginarias, bosques herméticos y andamios negros unos tras otros, Robinson no deja de jugar con el espectador, y en ese sentido, a veces no deja ningún punto de inicio dentro de su obra titulando con silenciosos códigos numéricos también parte de su trabajo.

Negros códigos que registran como a cadáveres en un deposito a muchas de sus vistas imaginarias, códigos de catástrofes o simplemente códigos cronológicos que dotan de una secuencialidad lógica a su producción pictórica, el dominio del negro por sobre todos los colores nos devuelven al inicio de este texto: la victoria sobre el sol y la imposición de sus cortantes andamios negros frente a una luz que se va debilitando.

Y es así que el cuadrado, como plena invención humana gobierna en toda su magnitud multiplicándose miles de veces frente a nuestros ojos.

Estructuras pesadas que se van superponiendo una sobre otra y finos filamentos que invaden y asfixian el mundo visible. Este mundo oscuro y elegante al mismo tiempo es el que nos ofrece en sus cuadros Jairo Robinson, su personal victoria sobre el sol es la que crea un nuevo orden visual bastante sugerente ya que en la actualidad toda posición religiosa ha sido anulada.

El cuadrado flota en el infinito y vela al astro rey, los humanos le rinden culto y como en el cuadro, ciudad de cristal, del año 2010, congela el mundo natural hasta convertirlo en un templo gélido en donde todo rastro de vida ha sido velado.

Son así de gélidos los panoramas presentados por Robinson dentro de su producción, panoramas estériles en donde las líneas fracturan todo tipo de renacer, extensos epitafios oscuros en donde se reflejan nuestros rostros; y viene a mi memoria la costumbre del artista de encerrar parte de su producción en un marco con cristal, esta prisión no hace más que enfatizar el clima de frialdad en el conjunto y es ahí en donde el reflejo juega un papel interesante, el cuadro se convierte en nuestra jaula definitiva y como al astro rey, se nos prohíbe todo tipo de contacto con el mundo natural.

Jose Luis Carranza

Paris, diciembre del 2010.

2010-09-25T11:29:00.000-07:00

2010-09-25T11:24:00.000-07:00

BERAZATEGUI 2010
provincia de Buenos Aires - Argentina

La Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Berazategui a seleccionado 40 artistas plásticos, nacionales e internacionales, para que trabajen durante diez días en la ciudad de Berazategui, sobre un proyecto en común que propicie el intercambio socio-cultural entre los artistas y la comunidad. La idea de la intervención consiste en crear una obra colectiva a partir de espacios individuales; un entramado visual formado por cuarenta paneles del mismo tamaño y forma, dispuestos de manera tal que permitan crear una trama sobre el edificio.
Cada artista trabajará sobre un panel que luego será montado en un lugar predeterminado en la fachada del edificio.
La apuesta gira en torno del collage como metáfora de una sociedad que se construye desde la singularidad de las partes hacia la concordancia de un todo.
Paises participantes: Polonia, Inglaterra, Italia, Uruguay, Perú, Venezuela, Corea, Colombia, Chile y Argentina.

2010-08-17T19:49:00.000-07:00

La línea como elemento básico del dibujo guarda en sí infinitas posibilidades. Muchas veces se asume tan sólo como el primer paso para la composición sin antes reparar que dicho elemento también puede convertirse en el protagonista de esta. Consecuencias Lineales nace de una reflexión sobre la línea como recurso artístico a partir de los casos de tres jóvenes artistas: Jairo Robinson, Guillermo Ayala Jacobs y Julius Sobrino. Cada uno de ellos, empleando medios distintos, nos muestran múltiples maneras de usar este recurso, con diversas consecuencias: Jairo Robinson a través de la pintura, Guillermo Ayala Jacobs por medio del diseño digital, y Julius Sobrino mediante el dibujo a mano alzada y retoque digital.

Poseedores de lenguajes plásticos disímiles, cada uno de estos artistas ha desarrollado una manera muy propia de integrar la línea a su trabajo. Jairo Robinson alterna líneas de distinto grosor para generar una multiplicidad de planos en sus composiciones geométricas, logrando, de esta manera, efectos de profundidad y movimiento. Guillermo Ayala Jacobs, remitiéndonos claramente al Op-Art, hace emerger lúdicamente a la forma gracias a un juego visual que implica una bien pensada combinación de líneas, espacios y tiempos. Por su parte, Julius Sobrino, utilizando tan sólo variaciones de intensidad y dirección en la línea, brinda a sus dibujos volumen, textura y movimiento.

Nos ubicamos, de este modo, ante el despliegue técnico y conceptual que el manejo de un recurso básico ha dado origen, invitándonos no sólo a contemplar dicho suceso sino también a hacernos parte y preguntarnos desde lo acontecido, aquello que está por acontecer.

Sandra Rivera Florez

2010-07-29T13:47:00.000-07:00

Jardin de espinas -acrilico sobre tela- 80 x 80 cm. -2010-

Al oscurecer -acrilico sobre tela- 80 x 80 cm. -2010-

En el centro -acrilico sobre tela- 100 x 100 cm. -2010-

Ciudad de cristal -acrilico sobre tela- 100 x 100 cm. -2010-

Gran ciudad -acrilico sobre tela- 145 x 100 cm. -2010-

2010-07-12T10:41:00.000-07:00

2010-06-25T22:41:00.000-07:00

en el taller, pintando para la muestra colectiva

DE LO VISIBLE A LO OCULTO -galeria municipal Pancho Fierro-

abajo: fotos de las obras en la galeria.

2010-06-17T17:27:00.000-07:00

El no tener un soporte visual figurativo y no reconocer forma alguna al iniciar la lectura de un cuadro, el temor a enfrentarse a un soporte plagado de color, texturas y elementos que no reconocemos, el miedo a tener una lectura errónea, a divagar, a tantear y a veces hasta negar el objeto en cuestión hace que nos sintamos vulnerables, extrañados y confundidos; generándose asi muchas sombras en nuestra lectura inicial: ¿a dónde nos estamos adentrando?.
Desde los tiempos en que los artistas se plantearon la posibilidad de abandonar la reproducción naturalista, llegando a renunciar por completo a aquella representación figurativa que gobernó al arte por siglos; se ha logrado mirar al mundo de otra manera, partiendo del núcleo vital mismo de la naturaleza, el ritmo esencial que contiene las células vitales del mundo visual: la linea, el punto y las formas geométricas básicas. Desde entonces se ha logrado dar autonomia a la obra de arte haciendo que ésta, al nacer de las células básicas de la creación, vaya paralela a la misma naturaleza dejando asi de subordinarse a ella.
Dimensiones paralelas y mundos nuevos que se abren frente a nuestros ojos, ese es el campo del arte abstracto, el nuevo orden natural que se presenta como una ventana a la que nos asomamos para buscar nuevas posivilidades de evasión.
En la presente exposición se muestran cuatro posibilidades de ese otro ver el mundo, ese otro replantear la naturaleza y ese nuevo orden volcado en la superficie bidimensional.
Desde la abstracción geométrica hasta una abstracción orgánica, desde el uso de objetos de la naturaleza táctil hasta la mirada de una geometria amparada en lo ritual. Las múltiples caras del arte no figurativo sólo nos confirman la completa vigencia de ese discurso visual y su aun vasto campo de investigación.
La abstracción obedece a la representación de la naturaleza reducida a su minima parte: al átomo, al modulo universal de la forma, a la esfera, al cubo y al cilindro;y es de este modo, entonces, que pasamos de las conquistas terrenas a las conquistas espirituales, de las conquistas visibles a las conquistas invisibles, del reino de lo conocido a la exploración de lo desconocido, en suma: DE LO VISIBLE A LO OCULTO.

Jairo Robinson
junio de 2010

2010-05-17T21:19:00.000-07:00

Autorretratos

En la introducción del libro 500 Autorretratos (Ed. Phaidon, Londres 2004), Julian Bell escribe: “Tengo una cara, pero mi cara no soy yo. Tras ella hay una mente que tú no ves pero que te observa. Esta cara, que tú ves pero yo no, es un medio del que dispongo para expresar algo de lo que soy. O al menos eso parece hasta que me vuelvo hacia el espejo. Entonces puede parecer que mi cara me pertenece, que se enfrenta a mí como una apariencia a la que estoy ligado”.

El autorretrato es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista. Implica escrutarse el rostro y conocerse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento se traduzca en el dibujo o la pintura que aborda. En épocas pictóricas como el barroco o el renacimiento, una de las costumbres era que el artista se autorretratara dentro de un gran cuadro, para reafirmar su autoría o para dar a entender sus intenciones, como lo hizo Velázquez.

Continuando con Bell, citaremos: “El de los autorretratos es un arte singular e introspectivo, y algo misterioso se esconde en la frontera entre el que ve y el que es visto”. Este misterio aumenta sobretodo a partir de las vanguardias históricas del s. XX en las que el arte del autorretrato no necesariamente implicó más un género realista, dando paso así a una mayor profundidad en tanto lo subjetivo de la visión propia del artista.Los artistas seleccionados para la presente exposición poseen distintos estilos y maneras de enfrentar este género. La intención de la muestra es mostrar al público local que la nueva camada de pintores jóvenes se interesa y profundiza en un género que ha sido de vital importancia para los principales artistas en la historia de la pintura desde su aparición, aun en el actual dominio del arte conceptual y denominado contemporáneo y en medio de la proliferación de bienales y ferias de arte.

2010-05-11T09:40:00.001-07:00

2010-04-08T17:08:00.000-07:00

acrilico sobre tela -80 x 100 cm.- 2010

Cidade
acrilico sobre tela -42 x 120 cm.- 2010

Horizonte rojo

acrílico sobre tela -90 x 180 cm.- 2010

Homenaje a Renée Navarrete Risco

2010-04-01T07:02:00.000-07:00

“Yo siempre di un todo, por ir en pos de nada dando sonrisas a cambio de dolor”

De: “Retrato” Poema de Renée Navarrete Risco

En tiempos en que muchos de los denominados artistas no pintan, no dibujan y ceden a facilismos tecnológicos aplaudidos y premiados incluso en los concursos de Pintura; en días en que las denominadas escuelas de arte inculcan a investigar, a teorizar, a conceptualizar a sus alumnos antes que a medir, que a proporcionar, antes que a enseñarles algo de Historia del Arte; se hace realmente perentoria la exhibición de una obra pictórica seria, con oficio, construcción y dedicación, como es la de Renée Navarrete Risco, pintora nacida en Chiclayo en 1906 y fallecida en Lima en 1999.

Inician estas palabras unos versos publicados de la artista, los que nos dan una pincelada de su carácter delicado y algo melancólico. Con apenas diecinueve años, habiéndose formado en Florencia, ya entonces recibía críticas halagüeñas de parte del medio italiano debido al inusitado nivel de madurez y profundidad de su talento. Su sensibilidad se evidencia en la ternura, compasión y sobretodo en la empatía que se percibe hacia sus modelos, aun en los cuadros de flores y paisajes. Sin embargo, donde su obra adquiere una fuerza y una magnitud notables es en el tratamiento de la figura humana, en especial en sus rotundos desnudos.

Espíritu poliforme, como lo definió Isaías Rivera, se intuye que su ser era más bien frágil y su emotividad absoluta. Lo externo tornaba a su persona sentirse mejor en soledad, manteniendo así un perfil bajo. Quizás por eso, ya en Lima y habiendo expuesto con Los Independientes en los cincuenta, Navarrete dejó de exhibir. Una pintora de su nivel, premiada más de una vez en Europa y que había recibido encargos de primerísima orden como retratar al Rey Victor III, se resistió a exhibir su trabajo. Quienes la conocieron afirman que sencillamente después de su última individual a mediados del s. XX, perdió el interés de exponer y que de algún modo se ensimismó en búsquedas pictóricas en sí mismas. Sólo Renée sabe a ciencia cierta la razón de ese, llamémosle, exilio interior.

En un intento sincero de redescubrir la valiosa obra de Renée Navarrete, doce pintores presentamos una obra cada uno a partir de trabajos específicos suyos. Algunos optaron por lo literal y otros por una interpretación más libre, pero todos trabajamos con responsabilidad dentro de las habilidades y carencias propias que forman lo que se suele llamar estilo. Este grupo coincide en la apuesta –casi al modo de una Resistencia- por la pintura y la mayoría hemos estado juntos en diversas exposiciones y proyectos en nuestro medio como en el exterior. Es así que, si bien la presente exhibición es un breviario de una obra extensa y de calidad que se debe mostrar pronto en una retrospectiva que permita apreciar su valor con toda justeza, es también la evidencia de que todavía existen pintores que dibujan y pintan persiguiendo valores pictóricos intemporales… Por más elemental que parezca esta afirmación, no lo es. Y es que hoy un artista es aun alguien que amarra piedras y las cuelga del techo, o deja morir de hambre a un perro en una sala de exposiciones y denomina a ese crimen como arte; debido a todo esto, los que elegimos a la Pintura como forma de expresión artística, tendríamos que empezar a evitar usar la palabra artistas para autodenominarnos y utilizar llanamente el término pintores; pues, mientras haya pintores, la Pintura prevalecerá.

La Pintura, la que se basta en sí misma, la que no es medio de nada, sino fin, es otra cosa. La excelente obra de la pintora Renée Navarrete Risco es una prueba diáfana de ello y se debe difundir.

IVÁN FERNÁNDEZ-DÁVILA

Lima, marzo de 2010

Pintura Peruana en Valencia

2010-02-09T08:43:00.000-08:00

Por qué este silencio/
No hay nada si no vacío de existencia/
Armónica belleza me rodea…

…Podrían ser los primeros versos de un poema, o la composición musical y harmónica de una balada, o un grito de esperanza, esta MUESTRA PICTORICA de jóvenes peruanos, que a través del mensaje ancestral Silencio III, de John Chauca, se nos ofrece.
El color haciendo rebeldía y con ella mostrándonos con atrevimiento la solidaridad a través del magistral arte.
Todo lo que habitamos cotidianamente se nos da a través de los pinceles: la ingenuidad, la tristeza, el laberintico proceso de habitar ciudades inhóspitas, el erotismo inteligente de los animales que nos acompañan, la minusvalía de la ceguera del mundo que yo intuyo metafísica, el amor surrealista no exento de pasión e incógnitas, la denuncia hacia los ignorantes que matan la vida y por tanto destruyen belleza y el encuentro con El Absoluto, el camino hacia la espiritualidad y el alma.
Araña editorial se siente orgullosa de acoger a: Shila Acosta, Giancarlo León Waller, Mako Moya, Valia Llanos, José Luis Carranza, Jairo Robinson, Iván Fernández-Dávila, Elizabeth López Avilés, Ray Uribe, Akira Chinen, Marcos Palacios, John Chauca Jorge Miyagui y Robert Orihuela
Ellos son, presente… un punto de inflexión en la Paz del mundo que tanto ansiamos.
Siempre con vosotros…

JULIA DE LA RÚA
Escritora y artista visual

Primera pintura del 2010

2010-01-17T08:25:00.000-08:00

La ciudad que sube

acrilico sobre tela - 60 x 50 cm. - 2010

2010-01-13T18:49:00.000-08:00

construcción No.20

acrilico sobre tela -80 x 80 cm.- 2009

Pintura Peruana en Stuttgart

2010-01-03T10:02:00.000-08:00

PINTURA PERUANA ACTUAL
GALERÍA EL PACIFICO
STUTTGART, ALEMANIA
21 DE ENERO- 21 DE FEBRERO

Las presentes obras, son un pequeño muestrario de las diversas tendencias entre los artistas actuales en el Perú. Hay una inclinación mayoritaria hacia la figuración, como en la mayor parte del mundo. Los artistas aquí presentados se orientan también en buena parte hacia el expresionismo, escuela netamente germánica. Veamos:
Renzo Núñez-Melgar, constante explorador de la urbe limeña sin caer en la curiosidad del souvenir, nos muestra el azar fatal en un cuadro fraguado por sus características pinceladas y empastes expresionistas.
Jhon Chauca, creador de imágenes, basado constantemente en la gran tradición de la cultura occidental, continúa con uno de sus motivos predilectos: La Mona Lisa. En esta ocasión fusiona el retrato de su creador, Leonardo, dando pie también a evocar la teoría aquella que distingue como un autorretrato al cuadro más famoso del mundo colgado en el Louvre.
Por su parte, Elizabeth López Avilés, apela a su línea definida y segura en una composición en la que, detrás de la soberanía del dibujo, el rojo intenso permite pensar en que la mujer tendida en el suelo ha sido agobiada por las tribulaciones de Eros.
En “Nado sincronizado”, Shila Acosta ha decidido ausentar a sus característicos personajes para mostrar una imagen cercana a la abstracción geométrica sugiriendo también uno de sus motivos constantes: el agua, ésta vez de apariencia sanguínea pero tranquila, quizás una advertencia de las aguas mansas. Jairo Robinson, manejando la construcción geométrica y cromática en sus composiciones, presenta un cuadro de su más reciente serie presentada en su última exposición individual. Giancarlo León Waller, participa con un retrato desbocado en el que destaca la fuerza psicológica que le debe mucho al maestro Herskovitz desde un punto de vista absolutamente personal y auténtico.En “Etopeya”, Jack Caballero da luces acerca de su proceso estético y la importancia, precisamente, de lo psicológico en sus personajes cargados de un especial desenfado ingenuo a pesar de la impronta violenta que más bien apunta hacia la locura de sus personajes. En esta línea de ideas, Valia Llanos nos muestra un personaje monstruoso y atormentado, también con signos decididamente vesánicos y a quién escribe le da la impresión de ser un retrato del poder, de la corrupción del poder sobre aquellos que no lo tienen y que de algún modo se dejan manejar o no les queda otro remedio. Marcos Palacios, aparentemente, va más bien por el otro lado. Su “Hombre del futuro”, tan lleno de colores claros, de símbolos, se nos aparece afable, accesible, su apariencia tembleque más bien invita a la protección y de algún modo remite a la buena fe del autor hacia lo que es el hombre en general. En un tono más irónico, atento observador de nuestra sociedad y sus paradojas, Jorge Miyagui en su “Godiva II” recuerda un episodio anecdótico de nuestra pintoresca fauna político-social sin descartar la rebeldía del acto mismo de su protagonista. Por mi parte, continúo interpretando mi realidad inmediata, retratando personas que me rodean, animales, objetos, con el especial interés de demostrar, más que el motivo, el vínculo entre el motivo pintado y yo. Finalmente, José Luis Carranza, configura a aquellos ciegos que mencionamos anteriormente, guiándose entre ellos, desvalidos y absolutamente condenados en una de sus características y logradas pinturas.

Iván Fernández-Dávila
Lima, diciembre 2009

2009-11-26T09:06:00.000-08:00

Construir una ciudad,construir una realidad, construcciones en la mente.CONSTRUCCIONES son las imagenes que ahora dejo a ustedes; una maraña de planos y lineas que se tejen estando uno dentro, observando esta ciudad; una plataforma tan peculiar que nos evoca un misterioso mundo caòtico lleno de sombras, amplias formas y largas lìneas, pero aun asì: es un lugar habitado.

Debajo de las transparencias, por encima de los planos, o colgado en las lìneas; suelo jugar, divertirme y confundirme.Construcciones, una ves màs; es evidenciar o dejar al descubierto una parte del ser, de donde me encuentro y a donde quiero adentrarme.

jairo robinson

Construcciòn No.15
-acrilico sobre tela- 150 x 150 cm. -2009-

Construcciòn No.13
acrilico sobre tela- 150 x 150 cm. -2009-

2009-11-11T14:56:00.000-08:00

Construcciòn No.16
-acrilico sobre tela- 70 x 175 cm. -2009-

Construcciòn No.09
-acrilico sobre papel- 35 x 35 cm. -2009-

Construcciòn No.10
-acrilico sobre papel- 35 x 35 cm. -2009-

Construcciòn No.08
-acrilico sobre papel- 35 x 35 cm. -2009-

Construcciòn No.02
-acrilico sobre papel- 35 x 35 cm. -2009-

Construcciòn No.01
-acrilico sobre papel- 35 x 35 cm. -2009-

Construcciòn No.06
-acrilico sobre papel- 35 x 35 cm. -2009-

Construcciòn No.12
-acrilico sobre papel- 35 x 35 cm. -2009-

Construcciones -segunda muestra individual-

2009-10-26T00:24:00.000-07:00

Jairo Robinson. Construyendo el jardín de senderos que se bifurcan.

Ante la totalidad de la incipiente obra de Robinson siempre me pregunto: ¿Por qué un pintor de alto oficio para la figuración se inclina hacia un arte no representacional? Quizás una respuesta pueda ser la insatisfacción de lo conseguido. Otra pueda ser el ansia de la libertad a favor de la creatividad plásticamente plena. Veamos: Al iniciar su época de formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes sus trabajos eran planos en los cuales estaban inmersos objetos, siluetas, figuras reconocibles. En la etapa formativa en la que debía solucionar texturas, volúmenes, desnudos, Robinson no conseguía lo que deseaba a pesar del buen resultado desde el punto de vista técnico de lo logrado. Ambicionaba más: si pintaba piel necesitaba sentir el pigmento como tal evitando caer en el acabado fotográfico que quita fuerza a la pintura. Una vez que resuelve los problemas propios de su formación, su atención recae en la aplicación de sus intereses abstracto-geométricos en los principios formales académicos. En sus palabras: “Querer unir mis planos de color con la obra académica” Estos intentos se evidencian en desnudos en los que el cuerpo se aborda académicamente mientras la geometría del fondo del cuadro se muestra distante cual mero elemento compositivo y no integrado con el motivo de la obra como sí resolviera Frantisek Kupka en telas como: “Planos por colores, gran desnudo” de 1910. Posteriormente, Robinson, se aboca a desmarañar efectivamente aquella geometría como tema central de su obra, dejando atrás la figura. Se enfrasca desde entonces en una abstracción cimentada en pequeños diseños que luego reproducía -como el mismo afirma- en un 90% fidedignamente. Este hecho -prácticamente copiar su propia obra a escala- lo frustra; en palabras del pintor: “mi trabajo en aquel entonces me resultaba algo pesado; ahora reconozco que carecía de espontaneidad, de fluidez. Es así que para esta muestra correctamente llamada: “Construcciones” Robinson apela a su instinto, a la creatividad pura a favor de las composiciones en sí mismas y no como resultado de ensayos previos. Robinson declara sus influencias y uno entiende qué elementos de éstas ha tomado, consciente o inconscientemente, para su producción. De este modo se evidencia que de Beatriz Milhazes conserva la predilección por una figura geométrica en particular, de Maria Elena Vieira Da Silva encontramos el tramado, de Regina Aprijaskis la pureza del color, el peso de la textura –empero recordemos que tuvo un periodo figurativo cuyo ejemplo se pudo ver en la reciente exposición de Sabogal mostrada en el Centro Cultural Peruano-Británico- de Sarah Morris, la línea definiendo los planos de color. Si en las series “Miembro es un objeto” y “Bosques” emplear el término abstracción nos acercaba a las propuestas de Robinson, esta nueva serie “Construcciones” tiene que ver más con el denominado Arte Concreto, pues, el artista no parte de una realidad de la cuál abstrae en pro de la composición pictórica, sino que se enfrenta al lienzo desde un aspecto absolutamente mental y emocional. El cuadrado es una forma que no existe en la naturaleza a diferencia de la circunferencia, el triángulo y la elipse. El cuadrado, forma que existió a partir de una construcción mental del ser humano, es el protagonista de esta nueva serie; sin embargo, podemos decir que es la cara visible del asunto que nos atañe. El origen de las construcciones de aspecto equilibrado y elegante que Robinson comparte con nosotros, tienen una eclosión visceral, caótica, incluso ansiosa, desde la cual ha ido surgiendo el orden de la obra en sí, una tensión entre ejecutante y ejecución en la que no sabemos cuál de las partes se impone.
Se ha hablado de las influencias de Robinson, pero sin duda el gran crisol de aquellas pintoras tiene su origen en un período de la obra de Kasimir Malevitch fundamental para la historia de la pintura moderna. Malevitch, quien dejó escrito que en su juventud creyó que su misión como artista era representar la naturaleza lo más objetivamente posible, llevó al límite las formas geométricas en obras como “Cuadrado negro” o en “Blanco sobre blanco”. Sin embargo el artista ruso se refería a su trabajo como un “Nuevo Realismo en Pintura, hacia la absoluta creación” (título de una de sus múltiples publicaciones) Malévitch también escribió: "Las claves del Suprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Mis nuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo". Nuevas Realidades. Descubrir cosas fuera del conocimiento, precisamente. ¿Qué conocimiento, qué realidades, descubre Robinson en sus composiciones? Sólo él lo sabe, pero sin duda entre los hallazgos está el del acto de pintar en sí, el gran asunto de la pintura por la pintura. Quizás Emil Nolde lo entendió así tras fraguar una y otra vez telas con las vistas del mar desde la isla donde pasó sus últimos días antes de quitarse la vida. Telas que, vistas hoy, se nos muestran parte del informalismo más decidido, del expresionismo más abstracto. Se dice que Nolde se percató de esto, que supo qué vendría después. Es cuando un artista empieza a comprender hacia dónde va su obra, cuando se hace clara la certeza de no poder emprender un camino sin abandonar necesariamente otro por el cual también quisiéramos transitar. En la evolución natural del trabajo de Robinson se vislumbra un lienzo absolutamente fraguado de líneas oscuras que ante los ojos del espectador resultaría una tela cubierta de negro en su totalidad y no hablo aquí de las variaciones de la luz sobre el negro como en los trabajos de Ad Reinhardt. Un punto culminante que, cuadro tras cuadro, el pintor sentirá cercano. Por ello, intuyo que este artista, probablemente más tarde que temprano, tal hizo el propio Malevitch, volverá a la figura como objeto central de su producción plástica; o al menos, sentirá a ciencia cierta el momento en que deba decidir si retomar la figura esquiva que siempre ambicionó o seguir fraguando el camino de su propia realidad.

IVÁN FERNÁNDEZ-DÁVILA
Lima, octubre 2009.

2009-07-30T18:05:00.000-07:00

2009-07-01T20:36:00.000-07:00

Salón de Fotografía
“Sin Oleos Ni Lienzos”

En estos tiempos visualmente tan saturados, se impone la búsqueda de nuevas maneras de expresarse, de nuevas formas y modos de decir y hacer sentir. En el caso de los artistas, estas son obligaciones ineludibles: la búsqueda de nuevos materiales, de nuevas técnicas, de nuevas inspiraciones y nuevos temas. Debemos aceptar que el arte no solo debe evolucionar sino también expandirse, y esto se da solo con las inquietudes e investigaciones de los propios artistas en torno a su obra.
Es así que 10 artistas plásticos, en su totalidad pintores y con formas muy diferentes de encarar dicha técnica, se atreven a expandir sus horizontes hacia nuevos métodos de expresar y comunicarse , usando para este fin , instrumentos que poco o nada tienen que ver con la pintura tradicional.
La fotografía es en esta ocasión objeto de revisión y pasa a convertirse de esta manera en un método eficaz para la canalización de los universos personales de cada artista. De un instrumento de registro que en sus inicios servía para documentar de manera mimética el paso del tiempo y nuestra relación con él, ahora, se presenta libre al fin en toda su multiplicidad de variantes y luce todas sus mutaciones y posibilidades de manera generosa. La manipulación cromática digital, el fotomontaje y la intervención física de la impresión son recursos que solo tienen una premisa: mostrar nuevos y extraños mundos , poco accesibles a primera vista , pero que se encuentran al fin y al cabo ahí, dentro de nuestro entorno próximo y dentro también de nuestro común alcance visual.
Dejando de lado pinceles y lienzos pero manteniendo sus colores, luces, sombras y texturas para dar rienda suelta a su creatividad, estos artistas nos confrontan y cuestionan con sus imágenes, que fuera de su condición de imagen congelada, parecen estar siempre en movimiento y en constante evolución por la actualidad de sus motivos y la audacia de sus técnicas. Esta es pues, una puerta que se abre para ellos, hacia una evolución necesaria y una puerta para los demás en donde se da a conocer nuevas naturalezas y nuevas realidades.

Jairo Robinson / Julius Sobrino

2009-06-01T01:18:00.000-07:00

69 cuarenta y ocho dibujos eróticos

“En contra del saber común, la representación erótica es, en realidad, la profesión más antigua del mundo. En efecto, para hacer tangible el objeto de nuestro deseo, para fijarlo en nuestra mente antes de poseerlo, hay que darle forma y contenido. A través del erotismo encarnado en una pintura, un grabado, un dibujo o una escultura, es que podemos encender el frenesí en los otros. A partir de esa imagen, ofrecerlo, adquirirlo, seducirlo o tomarlo por la fuerza resulta su inmediata consecuencia. En resumen: el objeto de nuestra apetencia sexual, luego de mirarlo, debió ser representado en forma erótica para poder llegar a él. A su vez, éste necesitó de la representación para existir y conquistar derecho de ciudad.

En este orden de ideas, del trazo desmesurado y amplio hasta la obesidad, de las cavernas, a la precisa filigrana del formato digital; desde las explicitas ilustraciones de Giulio Romano y Marcantonio Raimondi hasta las historias ilustradas del Márquez de Sade y de John Cleland, y de ellas al noveno arte –el cómic- que consagra a Milo Manara, Horacio Altuna y Paolo Serpieri, el dibujo erótico se ha dedicado devotamente, durante siglos, a adorar el carácter sobrenatural del placer sexual. Lo sacro – corpóreo, con sus deidades elementales (los “dieciséis modos” de Romano y Raimondi) así como sus infinitas variaciones, han representado en todo momento una amenaza directa a todo lo establecido y políticamente correcto. Sus opositores no han escatimado censuras, hogueras, prisiones, ejecuciones o términos deleznables para neutralizar, destruir o encanallar a sus fieles y supremos sacerdotes.

En este filoso triple limite de la adoración, el escándalo y la censura, por la que anduvo desde siempre la representación de lo sexual, se encuentra ahora el libro que prologamos –sugestivamente titulado 69, diáfano ejemplo de la existencia de una erótica numérica- que reúne los excelentes trabajos de doce jóvenes artistas:
Jack Caballero, José Luís Carranza, Luís Castellanos, John Chauca, Iván Fernández-Dávila, Elizabeth López Aviles, Valia Llanos Llacza, Jorge Miyagui, Robert Orihuela, Marcos Palacios, Samuel Pintos y Jairo Robinson.

Poseídos por el fuego pentecostal del erotismo, estos doce creadores nos deleitan, nos insuflan de pasión, nos llevan a buscar el sitio más umbrío para desatarnos o descubrirnos.
En dos palabras, nos ponen…”

Héctor Ñaupari

composición #2
lápiz y tinta sobre papel
2009

composición #1

lápiz y tinta sobre papel

2009

2008-11-24T10:23:00.000-08:00

El cuadrado no es una forma subconsciente.
Es la creación de la razón intuitiva. Es el rostro del nuevo arte.
El cuadrado es una criatura viviente y regia.
Es el primer paso hacia la creación pura en el arte. Antes de el había deformidades ingenuas y copias de la naturaleza.

Kasimir Malevich

composiciòn en azul acrilico sobre mdf. / 80 x 80 cm -2008-

otra ves; 358

2008-10-27T15:46:00.000-07:00

OBRA 2008

2008-10-07T12:39:00.000-07:00

de la serie "little woods"-cuadro #8-

acrilico sobre mdf. 25 x 35 cm.

De la serie ''little woods'' -cuadro 10-

acrilico sobre mdf. 25 x 35 cm.

de la serie ''little woods'' cuadro #8

acrilico sobre mdf. 25 x 35 cm.

de la serie BOSQUES-cuadro #1-